otras voces del ver

Art brut Por: Dana Blanco

danitablanco@gmail.com

"La Hermana", GERTRUDE MORGAN (1900-1980)

La hermana Gertrude Morgan forma parte de un legado de artistas Afro-Americanos que tomaron su inspiración de la mitología católica. Gertrude nació en una granja en Alabama y dejó la escuela en tercero de primaria para ayudar a su familia trabajando. Ella era una creyente ferviente y a los 18 años dijo haber tenido visiones y haber escuchado voces que le decían que tenia que dedicarse a ser misionaría para transmitir la palabra de dios. Daba sermones desde las calles de Nueva Orleans, donde vivió por casi 50 años.

Para ayudarla en su labor misionera, Gertrude se puso a hacer pinturas didácticas.  Sus trabajos incluyen escenas de la Biblia, del libro de Revelaciones, de Jesús, del paraíso y de Jerusalén, etc. Además, la obra de “La Hermana” incluye textos evangélicos, lo cual es muy común en esta línea de artistas del sur de los Estados Unidos. 

En su obra, la hermana Morgan declara su amor por Jesus, diciendo ser su esposa y por esta razón ella viste de blanco por el rest de sus días. Además, afirma que Jesus su vehículo, su aeronave: “I Realize time is flying, as Jesus had me to give a message to the world telling them time is flying, and after that he taken my hand and Begin to draw a air Plane, and him and I in the Plane.”

El trabajo de Gertrude Morgan está hecho usando pedazos de objetos encontrados que iba recogiendo por la calle. Recortes, estampas, tubos, plástico y lo que fuera interesante se iba integrando al trabajo de Morgan.  Al final de su vida Morgan ya había creado una técnica de pintura propia, en la cual mezclaba pintura con gis. 

Gertrude Morgan alcanzó algo de fama y reconocimiento durante sus días, pero ella siempre prefirió quedarse al margen de su éxito, enfocándose en la religión y evitando asistir a una sola de las exposiciones que se hicieron de su obra. 

EDMUND MONSIEL (1897-1962)

Edmund Monsiel comenzó a dibujar durante la segunda guerra mundial. Cuando los Nazis entraron a Polonia y tomaron posesión de su tienda, él huyó al ático de su hermano, donde se refugió en la oscuridad hasta el fin de la guerra. Bajo estas difíciles condiciones, a la luz de las velas, Monsiel se puso a hacer sus detalladísimos dibujos a lápiz. Al finalizar la guerra, siguió viviendo en aislamiento casi completo, aunque al cabo de un rato logró conseguir trabajo como operador de máquinas. 

Edmund Monsiel fue un hombre muy devoto, aterrorizado por los males del mundo. Mucho de su trabajo está repleto de simbolismo católico, mostrando sacerdotes, dioses, Cristo y el diablo, etcétera. Sus meticulosos dibujos seguido muestran a un personaje con bigote repetido ad infinitum. El efecto general de esta repetición de caras y ojos, que deja al espectador frente a un diseño que lo observa de vuelta, es sobrecogedor y casi provoca paranoia. Además, lo que resulta más impresionante es que casi toda su obra fue hecha a escala chica, en cuadros de no más de 15x10cm. 

Edmund Monsiel produjo una gran cantidad de dibujos durante 20 años y, aunque él destruyó mucho trabajo, aún queda un buen cuerpo de obra para la posteridad. 

R.A. MILLER (1912-2006)

R.A. Miller nació y creció en Rabbittwon, Georgia (EUA) donde fue campesino y constructor, a veces también dando sermones en la Free Will Baptist Church. Sin embargo, Miller era mejor conocido en su comunidad por su extravagantísima casa llamada “Windy Hill”. Su hogar estaba repleto de rehiletes, pinturas y un sinnúmero de objetos decorados que comenzó a crear al ir perdiendo la vista. Estas decoraciones fueron invadiendo su casa hasta su muerte en 2006, cuando ya había perdido la visión casi por completo. 

El estilo de Miller es colorido y folclórico, siempre con temáticas religiosas o patrióticas. De vez en cuando pintaba a personajes de su familia o de la historia americana, como el tío Sam o Elvis Presley. También creó a un personaje particular llamado “Blow Oskar”, que -según él- había sido inspirado por su primo con el mismo nombre. 

El reconocimiento de la obra de Miller realmente comenzó hasta la década de los 80, cuando la banda de rock R.E.M. lo contactó para hacer uno de sus vídeos (“Reckoning”) y un reportaje sobre su trayectoria. Su popularidad explotó y tuvo la fortuna de vender muchas de sus piezas a curiosos y coleccionistas. Sin embargo, a pesar de las buenas críticas hacia su obra, él siempre dijo que “no era más un montón de basura”. 

MALCOM McKESSON (1909-1999)

Malcom McKesson fue un artista sumamente recluso que produjo toda su obra en secreto desde su pequeño departamento neoyorquino. No se tiene mucha información sobre su pasado, pero se sabe que fue a la Universidad de Harvard y posteriormente estuvo en el ejército. Tras regresar del US Army intentó lanzar un negocio, pero su intento fue fallido. Después, por alguna desconocida razón, él y su esposa se empezaron a aislar por completo del resto del mundo. Fue durante su aislamiento que Malcom se dio a la tarea de realizar trabajos en tinta. 

El trabajo de Malcom McKesson trabajo es pesado y oscuro. En su obra seguido se muestran ver figuras voluptuosas, que recuerdan a muñecas amarradas, saliendo de sus garabatos en pluma negra. Sus formas son poco detalladas y sin sexo definido, aunque sean de naturaleza muy fetichista y sexual. Estos cuerpos parecen flotar en la nada, cabizbajos, como en completa sumisión… De vez en cuando también está presente el sado-masoquismo. 

La obra maestra de Malcom McKensson fue la que le tomó más tiempo hacer. Proviene de su libro ilustrado llamado “Matriarchy : Freedom in bondage” (algo así como El matriarcado: La libertad en la esclavitud), y es ulna crónica de sus fantasías secretas en rol de amante sádica. En esta orb, la sexualized es de suma importance. Por un lado, todo aquello relacionado con lo masculine se inclina hacia el mall, comma lo explica un personage llamado Lady Gladys : “in this house all things feminine are blessed, all things masculine are bound in slavery.” Y por otro lado, aquello relacionado con lo feminine lava un component de dolor y casting: “From a closet she removed some padded silken forms. These were strapped tightly to his shoulders and waist, adding a more feminine shape to his thighs, breasts and buttocks. In this upholstery Rose was indeed a proper woman prepared to assume the black dress, the slip and the elegant apron of a serving maid.”

No fue sino hasta la muerte de su esposa, al final de sus días, que McKesson tuvo el valor de mostrar su trabajo al mundo y publicar su libro. 

JUSTIN McCARTHY (1892-1977)

Justin McCarthy nació en una familia muy adinerada de Pennsylvania, en los Estados Unidos. Sin embargo, su padre (que era un prestigiado editor de noticias) murió cuando él tenía tan solo 16 años y poco tiempo después -con el comienzo de la Gran Depresión- su familia perdió absolutamente todo. En 1908 Justin se inscribió a la carrera de derecho, pero más tarde se dio de baja porque solía reprobar los exámenes. 

Después de un breakdown mental, McCarthy fue internado en un hospital psiquiátrico por varios años. Fue durante este largo periodo que comenzó a dibujar, generalmente firmando sus trabajos bajo seudónimos como Prince Dashing o Gaston Deauville. Volvió a su casa y se quedó ahí para seguir pintando, incluso cuando quedó vacía después de la muerte de su madre. Justin pasó estos días cultivando frutas y verduras para hacer algo de dinero para sobrevivir.

El trabajo de McCarthy es bastante variado en cuanto a estilos y soportes. De dibujos detallados a caricatura, pasando por acuarela, óleo y acrílico. Sus temáticas incluyen animales, flores, insectos, personajes históricos, eventos bíblicos y paisajes. Las celebridades y -sobre todo- las mujeres elegantes le fascinaban, lo cual probablemente le llamaba la atención desde su juventud cuando su padre editaba noticias sobre estrellas de cine. 

Justin McCarthy, tras mostrar sus cuadros en ventas de garaje y ferias de arte de domingo, fue descubierto por un promotor de arte que le ayudó a promocionar su obra. 

RAY MATERSON (1954)

Ray Materson nació en Michigan, Estados Unidos, y no comenzó su carrera artística sino hasta su incursión a la cárcel. Encarcelado en Connecticut, Ray recordó las técnicas de bordado de su abuela y se dio a la tarea de bordar el escudo del equipo de football de Michigan con hilo de nylon que recolectó de calcetines viejos. Esta realización tuvo tanto éxito que el resto de los prisioneros comenzaron a pedirle bordados como encargo. 

La creación de símbolos, logos, retratos, banderas y frases ocupaba por completo su tiempo libre. Confeccionar todos estos trabajos no solo refinó la técnica de Ray, sino que también marcó definitivamente su estética. Más adelante creó obras de mayor complicación y refinamiento, aventurándose -por ejemplo- en el bordado de paisajes o de escenas del día-a-día que pasaban en la cárcel. 

El trabajo de Materson es tremendamente detallado y meticuloso. Con casi 1000 puntadas por centímetro cuadrado, algunas piezas tienen que ser vistas bajo una lupa. Su trabajo fue muy comentado y eso le valió su primera exposición en 1995 en Nueva York. Tristemente, Ray no pudo asistir ya que seguía detrás de las rejas. Tras salir de la prisión en 1996, este artista casi autodidacta ha seguido bordando diminutas escenas de la vida americana. 

A pesar de estar en libertad, sus técnicas y herramientas no han cambiado y aunque ahora puede comprar materiales de mayor calidad, prefiere seguir usando el hilo de nylon con el que bordaba en la cárcel. 

DWIGHT MACKINTOSH (1906-1999)

Dwight Mackintosh fue internado en un hospital psiquiátrico a los 16 años, ya que  a su familia le resultaba “incontrolable”. Desafortunadamente, Mackintosh no volvería a ver el día fuera del instituto sino hasta los 72 años. Toda la vida se le atribuyó retraso mental, pero realmente nunca tuvo un diagnóstico claro. Tras haber salido, los médicos le recomendaron mucho asistir a unas sesiones de adaptación que ofrecía el Creative Growth Art Center en Oakland, California. Fue aquí donde Dwight empezó a dibujar con un vigor y devoción que no lo abandonarían jamás. 

El trabajo de este artista se parece a la caligrafía, porque muy seguido escribe -aunque sea ilegible- o usa tinta para dibujar con trazos de escritura. Hay poco color en el trabajo de Mackintosh y suele ser muy simple, como azul para el cielo y verde para el pasto. En cuanto a contenido, la obra de Dwight aborda dos sujetos: el cuerpo humano y el transporte. Su estilo particular de delinear las figuras da la sensación de mostrar cuerpos bajo rayos X y automóviles transparentes.

Imágenes vía la Galería abcd, Paris. 

Albert LOUDEN (1943)

Albert Louden solía ser un físicoculturista que conducía camiones al este de Londres; hoy en día, es uno de los “outsiders” ingleses más reconocidos a través del mundo. 

La trayectoria de Louden es bastante excéntrica para un “outsider”, ya que -de cierta manera- es muy convencional. Albert es autodidacta y llevaba muchos años pintando en secreto cuando, en 1981, vio un póster para una feria de Art Brut en Inglaterra y decidió contactar a su curador, Victor Musgrave. Al señor Musgrave le encantó el colorido trabajo de Louden y lo impulsó a seguir pintando, más tarde dándole una gran exposición en la Serpentine Gallery de Londres, donde vendió toda su obra. 

Lo que destaca en la pintura de Louden son las proporciones gigantes. Hoy, la composición de sus obras se caracteriza casi siempre por un gran rostro, aunque al comienzo de su trayectoria también pintaba hacía paisajes. Sin embargo, para este artista lo complicado de hacer paisajes es que no podía escoger qué incluir y qué discernir de toda la escena. Como a todo le gusta darle proporciones gigantes simplemente no cabía todo dentro del lienzo, por eso, optó por los retratos. 

El trabajo de Albert Louden, quien admite tener influencia de Francis Bacon y Scottie Wilson, se puede encontrar en las más grandes colecciones de arte outsider, como el American Visionary Art Museum y la Collección de Art Brut de Lausanne. 

Marie-Rose LORTET (1945)

Marie-Rose Lortet nació en la ciudad de Strasburgo y comenzó a bordar a muy temprana edad, inspirada por la tradición que llevaban las mujeres de su familia. Sin embargo, su trabajo nunca fue realmente convencional. Bordaba escenas y caras que llamaron la atención de Jean Dubuffet y la llevaron a exponer su obra en la gran Colección de Art Brut de Laussane. Más tarde, comenzó a experimentar con formas de bordado y textil más abiertas y experimentales, incluyendo otros elementos como encaje tratado en baños de azúcar o de resina. Las “esculturas-textiles” de Lortet a menudo tomaban la forma de casas, animales o paisajes. Prosiguió a crear ropa para hadas y demás animales fantásticos, dándole a sus creaciones nombres como “Traje para la crisis” o “Arquitectura de hilos”.

RAPHAEL LONNE (1910-1989)

Raphaël Lonné era el cartero local de un pueblito al sur de Francia y nunca mostró verdadero interés por el arte hasta sus 40. Sus padres fueron campesinos y Lonné abandonó los estudios para ayudar a sus padres en la granja, en la que se quedó hasta cumplir veintisiete años. Padecía asma y fue declarado no apto para el servicio militar debido a su débil constitución.Tras ejercer varios oficios, en 1946, después de la liberación francesa tras la segunda guerra mundial, fue nombrado cartero auxiliar en la oficina de correos de Biscarosse. Raphaël dice que comenzó a dibujar porque un espíritu lo visitó y se lo ordenó. Dibujaba primero con lápiz y luego con tinta, pero siempre en un estado de trance, en el que afirma que su mano estaba siendo guiada por los espíritus. Solo paraba de trabajar cuando hubiera terminado la obra completamente; nunca regresaba a hacer cambios o correcciones, y no quitaba la pluma del papel hasta que hubiera terminado. En otras palabras, sus trabajos son hechos de un solo trazo. De primera impresión, su obra puede parecer densa y oscura, pero viéndola con más detalle vemos que se trata de paisajes fantásticos minuciosamente delineados. De las piedras y las construcciones resaltan caras y animales. Lonné también solía incluir en sus obras textos que, según él, venían a él de vidas pasadas. Al comienzo, se rehusó a vender sus obras, diciendo que no eran suyas sino de los espíritus que lo guiaron. Sin embargo, más tarde, cambió de opinión y se vio más flexible en sus ideales mercantiles en el anhelo de ser aceptado en el exclusivo mundo artístico de París. 

En 1967, fue uno de los artistas que participaron en la exposición de art brut que se celebró en el Museo de las artes decorativas de París y que reunió, por vez primera desde 1949, setecientas obras de artistas diversos. Michel Thévoz, por entonces director de la Colección de Art Brut en Lausana, organizó en 1980 una exposición individual de Lonné. En 1978 participó con treinta obras en la exposición Los singulares del arte en el Museo de arte moderno de París.

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Imágenes vía: Galerie abcd Paris y Collection de l’art brut Lausanne

ALEXANDER LOBANOV (1924-2003)

Alexander Pavlovitch Lobanov nació en la región de Yaroslavi en Rusia. A los siete años sufrió un ataque de meningitis que lo dejó sordo y sin habla. Dadas sus circunstancias, Alexander fue un alumno difícil y por esto su familia lo tenía que cambiar de escuela constantemente. Finalmente, se acabaron las escuelas de su comunidad y tuvieron que desplazarse a otro pueblo. Su mala adaptación y sus frecuentes arranques de violencia terminaron por meterlo en un asilo psiquiátrico a la edad de 23. A pesar de irse calmando con el tiempo, su aislamiento progresó tanto que lo diagnosticaron con autismo. Fue tras siete años de tratamiento y bajo la guardia del doctor Vladimir Gavrilov que Alexander comenzó a pintar su serie de retratos con armas. Al principio era extremadamente celoso y privado con su trabajo; gracias a la terapia pudo obtener la confianza necesaria para mostrar sus obras a un publico mayor, cada vez más interesado. Desde un principio su tema central fueron los rifles y las armas, en general, y -aunque experimentó con otros soportes, como la fotografía- su temática jamás cambió. El trabajo del prolífico Lobanov conlleva una fuertísima influencia de la estética comunista que lo rodeó toda su vida. Insignias, banderas, estrellas, medallas, lemas y muchas pistolas; estos son los elementos visuales del mundo tremendamente armado, pero sorprendentemente estético de Alexander Lobanov. 

Imágenes vía: Galerie abcd, Paris

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GEORGES LIAUTAUD (1899-1991)

Herrero de profesión, Georges Liautaud solía hacer cruces de acero decoradas con motivos Voodoo y las ponía sobre tumbas en su ciudad natal, Croix-des-Bouquets, epicentro del credo Voodoo. Estas particulares cruces fueron descubiertas en los años 50 por el pintor y coleccionista americano, DeWitt Peters, quien le sugirió que comenzara a hacer “obras de arte”. El herrero empezó a forjar enigmáticas esculturas bi-dimensionales, cortando y arrancando pedazos de tambos de gasolina. A pesar de haber hecho retratos de vez en cuando, su trabajo se enfoca mayoritariamente en el tema de las deidades Voodoo (loas). Sus esculturas muestran ceremonias, posesiones del cuerpo (simbolizadas por un caballo) o entidades del panteón voodoo como los gemelos sagrados y Ezili, el espíritu femenino del amor y la creatividad. Tras haber expuesto en el MoMA de Nueva York, a Liautaud se le considera como el mayor escultor haitiano del siglo XX. 

BILL TRAYLOR (1854-1947)

Bill Traylor nació esclavo en una plantación de Alabama. Después de la Guerra Civil ganó su libertad, pero decidió continuar trabajando en el campo, en la misma plantación de siempre. A los 84 años se fue de la plantación, ya que sus ex-dueños habían fallecido y sus aproximadamente 20 hijos se habían mudado a distintos pueblos. Él, junto a su esposa, se fue al pueblo de Montgomery y consiguió ser empleado como zapatero, aunque su artritis agudizó y ya no le permitió a su cuerpo seguir trabajando. De ahí en adelante, vivió en unas bodegas en la parte trasera de una funeraria y comenzó a dibujar sobre papel y cartón encontrado. Charles Shannon, un artista local, adquirió gusto por su obra y se ofrecía a comprarle material para que pudiera seguir creando; más tarde, logró mover su obra a tal nivel que incluso vendió algunos de sus cuadros al MoMa de Nueva York. Sus piezas muestran a personajes que veía mientras se sentaba en la calle diariamente a ver la gente pasar; también representan algunas de sus memorias de la plantación. En los “lienzos” que encontraba perfiló su estilo personal, casi siempre mostrando a un solo personaje principal coloreado en un solo color (o a varios rodeando una figura central). De 1939 a 1942 produjo cerca de 1,500 obras y se logró posicionar como uno de los representantes más importantes del arte folklórico autodidacta.

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AUGUSTIN LESAGE (1876-1954)

Augustin Lesage nació en el seno de una familia minera a las afueras de Lille, al norte de Francia. Su hermqnq chica muere cuando él tiene siete años y su madre fallece siete años más tarde, por lo cual tuvo que empezar a trabajar y mantenerse desde muy joven. Tras estar bajo tierra en las minas de carbón por muchos años, una tarde de 1911 escuchó una voz que le decía claramente: “Un jour, tu seras peintre” (un día serás pintor). Desde entonces, las voces que le hablaban fueron advirtiéndole de sus poderes espiritistas. Lesage acudió a las tablas y a la escritura automática para comunicarse con espíritus fuera de las minas y saber si debía hacer caso a las voces. Entre los espíritus con los que se comunicaba estaba el de Marie, su pequeña hermana, que había fallecido a los tres años. Las tablas y las escrituras le dijeron que era imperativo que siguiera las órdenes de las voces aunque, al principio, pudieran parecerle extrañas. 

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Las voces lo guiaron a comprar material para empezar a pintar y Lesage seguía al pie de la letra cada una de sus instrucciones. Augustin no tenía ninguna experiencia previa en cuanto a la pintura, por lo cual el primer lienzo que compró fue gigantesco (nueve metros cuadrados); las voces le dijeron que no se preocupara y, por lo tanto, el gran formato fue su soporte predilecto. Su mano era guiada por las voces y su primera trabajo, comenzado por la esquina derecha y terminado en la esquina inferior izquierda a manera de máquina de escribir inversa, muestra una detalladísima construcción arquitectónica de proporciones enormes. Esta era su manera de trabajar: Augustin iba de cierta manera “escribiendo” de derecha a izquierda, pero las voces no le permitían ver una el resultado final hasta que estuviera terminado, entonces el lienzo estaba enrollado como pergamino y se iba abriendo mientras pintaba. “Es como trabajar sin trabajar,” solía decir. 

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Al principio, Lesage no firmaba sus obras, pero más tarde comenzó a hacerlo bajo el nombre de “Leonardo da Vinci”. Más tarde fue desarrollando un estilo perfectamente simétrico, en la representación de construcciones monolíticas con temas egipcios y orientales. “Entre más pintes escenas egipcias, más cerca estarás de conocer esas tierras,” le decían las voces. Y efectivamente, en 1939 tuvo la oportunidad no solo de visitar Egipto, sino de entrar a una tumba llamada Menna (cerca de Luxor) y encontrarse sobre un muro la misma escena que él había pintado unos meses antes. 

A pesar de ser una figura central en el Art brut, su obra casi no se ha visto expuesta en el extranjero, lo cual es una verdadera pena porque, a mis ojos, es una de las experiencias más impresionantes para cualquier amante del arte espiritista. 

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PAVEL LEONOV (1920-2011)

Pavel Leonov nació en un pequeño pueblo en la región rural de Orel, en Rusia. Se vio forzado a escapar de su casa a muy temprana edad, ya que su padre era tremendamente violento y abusivo. Así, comenzó a vagar a pie por el territorio ruso, obteniendo trabajos azarosos y terminando en la prisión un total de tres veces. Le tomó casi cuarenta años asentarse, y lo hizo en un pueblo llamado Mekhovitsy, donde se dedicó de lleno a la pintura. A sus pinturas les llamaba “construcciones”, y casi siempre estaban arregladas como si fueran puestas en escena de alguna obra de teatro; enmarcadas, con una tira de cielo por encima (muchas veces con pájaros o aviones). Utilizaba cualquier soporte y todo tipo de pintura que pudiera encontrar para realizar sus trabajos.

Imágenes vía: http://pavelleonovpaintings.com/